Crew Peligrosos - Medayork

La banda revelación del Hip Hop en el 2010 Crew Peligrosos, estrena su primer video "Medayork" grabado en Medellín y dirigido por Alejandro Niño.

Crew Peligrosos planea lanzar su primer álbum a principios del 2012 el cual fue producido por el Dj y productor mexicano Toy Selectah.


Video: Crew Peligrosos - Medayork
Dirección: Alejandro Niño

twitter.com/crewpeligrosos

Superlitio, un viaje íntimo por la Sultana

Del rock con chontaduro a la electrónica con lulada, la banda caleña regresa con un disco contundente, compuesto y producido por ellos en el que demuestran su kilometraje musical.

Sultana – Manual Psicodélico del Ritmo Vol. 1, presenta once tracks con una paleta mezclada de sonidos electrónicos y acústicos; cada canción tiene su propia historia, letras profundas, conectores instrumentales y teclados llenos de sabor y feeling; nada suena igual, todo es un viaje por esa Sultana que los vio nacer. Con cuatro placas más en su historial discográfíco, Marciana (1997), El Sonido Mostaza (1999), Tripping Tropicana (2003), Calidosound (2009), una nominación al Grammy Latino y múltiples premios, entramos en uno de los ensayos de Superlitio previos al show de lanzamiento en Bogotá.

En medio de cables enrollados, guitarras Gibson y diversos sintes, Pipe (voz, teclados, guitarra), Alejo (guitarra), Dino (samples, ukulele), y Armando (batería) descansan unos minutos, toman agua y de inmediato nos sentamos y empezamos a hablar sobre la historia de Sultana; mientras tanto, Pedro (bajo, programaciones), quien también fue el ingeniero de grabación y mezcla del disco, seguía en el mac cuadrando detalles para el esperado concierto.

Vamos a esa etapa inicial y hablemos sobre el proceso de grabación de Sultana

Pipe: Bueno nos juntamos porque tuvimos que ir a tocar a Cali en diciembre, y pues como allá están nuestras familias nos quedamos un buen rato. Ya para enero, nos sentamos a planear lo que sería este disco, a conceptualizar, y a maquetiar un poco las ideas que teníamos. Fueron entre seis a siete meses interrumpidos de grabación. Primero grabamos por sesiones cinco canciones y después otras dos. Hacia el mes de Julio volvimos al estudio para terminar de grabar, y aparte hicimos un par de conectores musicales que suenan ahí.

Venían de dos discos con productor, uno con Tweety Gonzalez y otro con Rafa Sardina ¿Por qué deciden hacer este nuevo disco ustedes solos?

Alejo: Esto es como un combo, eso trae varias cosas (risas)….realmente teníamos ganas de tener un proceso así: sentíamos que llevábamos varios discos aprendiendo cómo se hacían y cual era el espacio de cada uno. Este era el momento preciso y pues acá en Loop, que es el estudio donde Pedro y Pipe son socios, empezamos a hacer el disco con calma…no entrar, setear y hacer de una, sino ir probando, ir produciéndonos como siempre habíamos querido, utilizando el estudio como un instrumento y no solamente como algo de captura, el estudio fue como una fábrica de música y de pruebas todo el tiempo. Gracias a esto se logró que el disco tuviera como un color y un dominio conceptual y sonoro bien definido. Creo que debíamos hacerlo solos, ya que por el concepto era peligroso meter otro man ahí. La verdad estamos  muy contentos por eso y pues era una super aventura producirlo, lo queríamos hacer y salió una chimba.

Pipe: Yo creo que aparte que era algo conceptual, pues necesitaba que nosotros estuviéramos dominando cada centímetro de visión que teníamos sobre el disco. Por ejemplo “Viernes otra vez” tiene casi siete minutos de duración; un productor más comercial seguramente diría: “oye no, cortémole ahí” , si me entendés?

¿Cómo experimentan con los instrumentos para llegar al sonido que lograron en este disco?

Pipe: Pues la verdad creo que es una fusión entre esos aparatos y sonidos que recuerdan a los primeros sintetizadores y Reason. Hay un Moog en el estudio, el Korg MS2000, y el Nord que tiene sonidos muy clásicos. También utilizamos un Hammond, de hecho hay una historia muy bonita ahí porque lo habían dejado practicamente abandonado en el estudio y luego lo arreglaron. Este es un Hammond super clásico, esos que son órgano de bajo de pedal; ahí descubrimos  que tiene ciertas cosas muy curiosas y por ahí metimos en el disco algo; inclusive suena en “Viaje a la Lulada” seguro la gente no se imagina que uno mete un aparato tan viejo como ese en la canción. Con respecto a las guitarras, usamos mucho el delay pero sonado como una reverb de combo (amplificador) vieja. A mi me encanta ese sonido, lo hemos venido metiendo como más por el lado de los combos, y queríamos reflejarlo en el sonido del disco, no estábamos metiendo mucha cabina, ni guitarras sucias con distorsión; sólo hay una canción que tiene una guitarra sucia y es “Balas de Sonido” porque la canción lo requería.

¿Cuál fue el aporte conceptual que cada uno plasmó en Sultana?

Armando: Yo básicamente escucho de todo porque soy Dj, pongo afro beat, músicas negras, cosas inglesas y anglo, y en mi parte que es la percusión siempre traté de dejar los espacios para que los instrumentos suenen, y también de darle un peso rítmico a la banda sin ser bulloso.

Alejo: En este disco mi experimentación sónica iba hacia los delays, los sonidos de over, utilizar el slide como un elemento no tanto country sino ambiental, ese era el cuento…ante todo vestir el disco de cierta psicodelia, porque queríamos que todo fuera muy atmosférico con las guitarras. Realmente lo divertido es hacer cosas nuevas y seguir experimentando con el sonido de Superlitio..

Dino: Yo estaba pensando en un circulo cuando empezamos a conceptualizar este álbum..digamos la parte gráfica tenía que tener un peso bastante barroco a comparación del disco anterior que fue prácticamente minimal. Entonces mi aporte fue un poco como esa investigación de imágenes y de imaginario para que la parte sónica tuviera una coherencia; este disco no es de canciones sueltas, este disco fue pensado y trabajado como un todo, con un punto de vista hacia Cali, un viaje con canciones ligadas tratando de buscar una cohesión, y creo que el nombre del disco lo dice todo.

Pipe: Bueno la verdad trabajé mucho en los teclados, quería sintes, no quería pianos ni nada de esas vainas; quería sintes y que no importara tanto la ejecución todo el tiempo y que fueran los que aportaran el movimiento, que los sintes llevaran el mood de la canción, la verdad estuve muy pendiente de eso. Por otro lado buscamos con Alejo que las guitarras no fueran el protagonista rockero en el sentido clásico del rock, sino más bien que aportaran sonido, atmósfera, psicodelia con delay y reverb. Por el lado de las letras y las voces, trabajé mucho en que se sintiera un narrador en la historia de cada canción, como una actuación, osea no quería que fuera como esa es mi voz que está cantando y ya.

¿Cómo describen esa parte instrumental dentro del disco que se escucha en Verde Plateada o Cali, Chipichape y Saturno?

Pipe: Mirá, hay muchas canciones que nosotros teniendo todo a la mano fuimos jugando con el estudio, lo volvimos como una herramienta más. Había un viaje entre canción y canción, y sentíamos que algunos momentos necesitaban una pausa, y por eso estas dos fueron pensadas como conectores. Fue algo muy divertido y espontáneo, nos gustó mucho al momento de hacerlas.

Este disco es un homenaje a sus raíces. Hablemos un poco de toda esa historia de Cali y ese viaje que está en las canciones

Pipe: Bueno es nuestra visión particular a través de historias que pueden ser propias y a veces observadas. Sultana tiene también algo de nostalgia, algo así  como la Cali de los años setenta, que consideran que se volvió ciudad después de los juegos panamericanos hasta la Cali de ahora; es como pasar por eso, llenarlo un poquito de nuestra subjetividad pues, de cómo se ve desde nosotros y pasarlo a arte, a música. Es como de lo que uno se empapa mientras está allá, ya que Cali es la capital del Pacífico, entonces tiene una población afrodecendiente grandísima que nos influencia también en la música, en las historias, en la forma de hablar. Hay cosas propias de Cali que quisimos mencionar: por ejemplo en “Pa’ Bailar” es la historia que en Cali aceleran el boogaloop para bailarlo arrebatado, y eso es lo que trata la canción, era como empezar a centrar esa influencia de la música y de donde crecimos.

En el disco tienen un invitado en “Champetrónica” Obie P de San Andrés. ¿Cómo llegó él a Superlitio?

Pipe: Bueno el es un amigo del dj Mike Cerda. Mike estaba trabajando con él para unos tracks de su disco, y como estabamos ahí en el estudio entonces nos presentó. Muy buena vibra la de Obie, tiene un talento impresionante y entonces nosotros dijmios como estamos armando esta canción que suena muy como para su estilo, le preguntamos, él de muy buena onda lo hizo y nos encantó su trabajo. Sin duda San Andrés está empezando a tener una voz en el panorama musical de Colombia, y debería tener un reconocimiento porque esa herencia reggae que tienen allá, es increíble.

Su disco anterior “Calidosound” también fue lanzado en alianza con un medio de comunicación el cual logró más de 40 mil descargas. Para este nuevo trabajo vuelven con una estrategia y lanzan el disco físico con la revista Shock que circula con 25 ejemplares al mes. ¿Cómo logra Superlitio llevar esta idea a flote?

Dino: Casualmente una de las ideas con el Calidosound que nos habíamos empezado a plantear, era la forma de distribución y esa era la de distribuirlo con una revista pero eso nunca se dio; digamos por el momento de la banda y porque depronto no era el momento. Yo creo que las cosas pasan cuando es el momento justo y para este disco consideramos que Sultana era algo completo de principio a fin, entonces no queríamos regalar un sencillo y la próxima semana otras tres canciones. Ahí llegó la idea de hacer algo con Shock, nos sentamos con Mariangela Rubbini la directora de la revista y empezamos todo un proceso con nuestra agencia de management a buscar las marcas para que también se vincularan y hacer esto posible.

Superlitio se ha caracterizado por estar pendiente de sus fans y de interactuar con ellos mediante las redes sociales. Hablemos un poco de esto

Dino: Con el tema de las redes sociales todos estamos vinculados con el proceso online. Ya no se puede estar en una banda sin estar pendiente de esas cosas. No es una obligación, uno disfruta estar al lado de ellos y de responderle a los fans. Nosotros eramos de una generación donde era imposible saber que era lo que pensaban los fans y ahora hay una comunicación inmediata; si a alguien no le gustó una canción te lo dicen de una. Es algo que si lo sabes manejar bien es muy bonito y muy productivo. Y aparte por ser una banda independiente lo cuidamos porque sin duda esta parte digital es nuestra punta de lanza.

Ustedes como banda independiente, creen que sí se puede vivir de la musica acá en el país ?

Pipe: Pues vamos viendo, vamos viendo…(risas). Mirá, creo que es algo de mucho trabajo, y en el que no sólo se involucra la banda, también tiene que ver la gente que te está manejando.

¿Debe haber un Manager?

Pipe: Yo creo sí, creo debe haber un manager, una oficina, llámalo como quieras, pero algo donde se manejen todos los asuntos y los negocios de la banda porque si no, eso no funciona, es muy complicado.

¿Qué se viene para Superlitio en los próximos meses?

Alejo: Creo que vamos a distribuir el disco de otras maneras. Esto de la revista se hizo por este mes y nos dicen que ya se agotó. Luego viene una distribución ortodoxa en las discotiendas, y luego vienen unos videos; el primero de “Sexo con Amor” dirigido por Carlos Moreno, el mismo de Perro Come Perro, director amigo. Luego viene una gira por varias ciudades de el país, y si todo sale bien afuera también. Por ahora darle primero fuerte a Colombia.

En síntesis cómo describen “Sultana, Manual Psicodélico del Ritmo Vol 1”

Dino: Es el viaje al corazón salvaje de la lulada cósmica.

Pipe: Es la subjetividad del astronauta típico.

Armando: Es una visión de Cali bastante particular.

Nominados 12th Grammy Latino 2011

Esta mañana se anunciaron los nominados a la 12th entrega de los Latin Grammy que se entregarán el próximo 10 de noviembre en Las Vegas.


Categoría 1
Grabación del Año
Record of the Year

1. LATINOAMÉRICA Calle 13
Entren Los Que Quieran [Sony Music Latin]

2. TAN SOLO TÚ Franco De Vita con Alejandra Guzmán
En Primera Fila [Sony Music Latin]

3. GRITAR Luis Fonsi
Tierra Firme [Universal Music Latino]

4. GOLPES EN EL CORAZÓN Los Tigres Del Norte Featuring Paulina Rubio
Los Tigres Del Norte And Friends MTV Unplugged [Fonovisa/ Universal Music Latin Entertainment]

5. LO MEJOR DE MI VIDA ERES TÚ Ricky Martin Featuring Natalia Jiménez
Musica + Alma + Sexo [Sony Music]

Categoría 2
Album del Año
Album of the Year

1. ALEX, JORGE Y LENA
Alex, Jorge y Lena Aureo Baqueiro, producer [Warner Music Latina]

2.ENTREN LOS QUE QUIERAN
Calle 13 Edgar Abraham, Rafa Arcaute & Calle 13, producers [Sony Music Latin]

3.EN PRIMERA FILA
Franco De Vita David Cabrera & Franco De Vita, producers [Sony Music Latin]

4.EUPHORIA
Enrique Iglesias Fernando Garibay, Nesty, Carlos Paucar, RedOne, Mark Taylor & Victor "El Nasi", producers [Universal Music Latino/ Universal Republic Records]

5. SALE EL SOL
Shakira Josh Abraham, Lukas Burton, Calle 13, Gustavo Cerati, El Cata, John Hill, Lester Méndez, Albert Menéndez, Luis Fernando Ochoa, Oligee & Shakira, producers [Sony Music Latin/ Epic]

Categoría 3
Canción del Año
Song of the Year

1. A DÓNDE VAMOS A PARAR Marco Antonio Solís, songwriter (Marco Antonio Solís) Track from: En Total Plenitud [Fonovisa Records / Universal Music Latin Ent.]

2. LATINOAMÉRICA Rafa Arcaute & Calle 13, songwriters (Calle 13) Track from: Entren Los Que Quieran [Sony Music Latin]

3. LO MEJOR DE MI VIDA ERES TÚ Eric Bazilian, Claudia Brant, Andreas Carlsson, Desmond Child & Ricky Martin, songwriters (Ricky Martin Featuring Natalia Jiménez) Track from: Musica + Alma + Sexo [Sony Music Latin]

4. QUE EL SONETO NOS TOME POR SORPRESA (ON THE SOUNDTRACK LOPE)
Jorge Drexler, songwriter (Jorge Drexler) Track from: B.S.O. Lope [Warner Music Spain]

5. SOLAMENTE TÚ Pablo Alborán, songwriter (Pablo Alborán) Track from: Pablo Alborán [EMI Music Spain]

Categoría 4
Mejor Nuevo Artista
Best New Artist

1. PABLO ALBORÁN

2. MAX CAPOTE

3. PAULA FERNANDES

4. IL VOLO

5. SIE7E

Categoría 5
Mejor Album Vocal Pop Femenino
Best Female Pop Vocal Album

1. MANUSCRITO Claudia Brant
[E35 Music]

2. SEDUCCIÓN Myriam Hernández [Universal Music Latino]

3. GUERRA FRÍA Malú
[Ariola / Sony Music]

4. ACORDES DE MI DIARIO Merche
[Universal Music Spain, S.L. / Vale Music]

5. SALE EL SOL Shakira
[Sony Music Latin / Epic]

Categoría 6
Mejor Album Vocal Pop Masculino
Best Male Pop Vocal Album

1. PABLO ALBORÁN
Pablo Alborán [EMI Music Spain]

2. BIEN ACOMPAÑADO
Reyli Barba [Sony Music]

3. VIVA EL PRÍNCIPE
Cristian Castro [Universal Music Latino]

4. EN PRIMERA FILA
Franco De Vita [Sony Music Latin]

5. EN TOTAL PLENITUD
Marco Antonio Solís [Fonovisa]


Categoría 7
Mejor Album Vocal Pop Dúo o Grupo
Best Pop Album by a duo or group

1. ALEX, JORGE Y LENA Alex, Jorge y Lena [Warner Music Latina]

2. SUEÑO ELECTRO I Belanova
[Universal Music]

3. EDICION EN ESPAÑOL Il Volo
[Universal Music Latino]

4. AL FIN TE ENCONTRE Río Roma
[Sony Music]

5. SIAM Siam
[EMI Music]

Categoría 8
Mejor Album de Música Urbana
Best Urban Music Album

1. ENTREN LOS QUE QUIERAN Calle 13
[Sony Music Latin]

2. DON OMAR PRESENTS MEET THE ORPHANS Don Omar
[Machete Music]

3. ARMANDO Pitbull
[Sony Music]

4. DRAMA QUEEN Ivy Queen
[Machete Music]

5. LOS VAQUEROS: EL REGRESO Wisin y Yandel
[Machete Music]

Categoría 9
Mejor Canción Urbana
Best Urban Song

1. BAILE DE LOS POBRES
Rafa Arcaute & Calle 13, songwriters (Calle 13) Track from: Entren Los Que Quieran [Sony Music Latin]

2. BON BON
Renato Carosone, Mathew Handley, Duncan Maclennas, Pitbull (aka Armando Perez), Nicola Salerno & Andrew Stanley, songwriters (Pitbull) Track from: Armando
[Sony Music]

3. DANZA KUDURO
Don Omar & Lucenzo, songwriters (Don Omar Featuring Lucenzo) Track from: Don Omar Presents Meet The Orphans [Machete Music]

4. ESTOY ENAMORADO
Wisin (a.k.a Juan Luis Morera) & Yandel (a.k.a Llandel Veguilla), songwriters (Wisin y Yandel) Track from: La Revolucion Live Vol. 1 [Machete Music]

5. VEN CONMIGO
Daddy Yankee & Prince Royce, songwriters (Daddy Yankee Featuring Prince Royce) [El Cartel]

Categoría 10
Mejor Album de Rock
Best Rock Album

1. MIENTEME - PROMETEME Don Tetto
[Cabeza De Raton Music]

2. REMANDO Saúl Hernández
[Emi Music México]

3. ¿Y AHORA QUÉ HACEMOS? Jarabedepalo
[Tronco Records/National Records]

4. NUESTRA La Vida Bohéme
[Nacional Records]

5. DRAMA Y LUZ Maná
[Warner Music México]

6. POR LO MENOS HOY No Te Va Gustar
[Elefante Blanco/Popart Discos]


Categoría 11
Mejor Canción de Rock
Best Song Rock

1. ÁCIDO Marcelo Corvalan, Hernan Terry Langer & Andres Vilanova, songwriters (Carajo) [Universal Music Argentina]

2. CHAU Emiliano Brancciari, songwriter (No Te Va Gustar) Track from: Por Lo Menos Hoy [Nacional Records]

3. LABIOS ROTOS León Larregui & Zoé, songwriters (Zoé) Track from: Música De Fondo: MTV Unplugged [EMI Music México]

4. PODER Gustávo Napoli, songwriter (La Renga) Track from: Algun Rayo [La Renga Discos]

5. RADIO CAPITAL La Vida Bohéme, songwriters (La Vida Bohéme) Track from: Nuestra [Nacional Records]

Categoría 12
Mejor Album de Música Alternativa
Best Alternative Music Album

1. CORAZÓN BOMBEA/VIVO Doctor Krápula
[Sony Music]

2. FOREVER TOGETHER Fidel
[Subterrannia Discos]

3. MIENTRAS TU DORMIAS Carla Morrison
[Cosmica Records]

4. SOUNDTRACK Mr. Pauer
[Fabrika Music]

5. MÚSICA DE FONDO: MTV UNPLUGGED Zoé
[EMI Music Mexico]

Categoría 13
Mejor Canción Alternativa
Best Alternative Song

1. CALMA PUEBLO Rafa Arcaute & Calle 13, songwriters (Calle 13) Track from: Entren Los Que Quieran [Sony Music Latin]

2. SALGAMOS DE AQUÍ Pascual Reyes, songwriter (San Pascualito Rey) Track from: Valiente [Terricolas]

3. SOMOS Doctor Krápula, songwriters (Doctor Krápula) Track from: Corazón Bombea/Vivo [Sony Music]

4. TE ROBASTE MI CORAZÓN DJ Blass & Fidel (a.k.a Fidel Nadal), songwriters (Fidel) Track from: Forever Together [Subterrannia Discos]

5. TENGO TU LOVE Sie7e (a.k.a David Rodríguez), songwriter (Sie7e) Track from: Mucha Cosa Buena [La Vida Buena]

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Para ver la lista completa de las 46 categorías nominadas descargue aquí

http://www.sendspace.com/file/bolj01

Jazz al Parque 2011

Este fin de semana empieza la edición No 16 de Jazz al Parque en Bogotá; con la presentación de importantes figuras del jazz a nivel mundial, los bogotanos podrán asistir de manera gratuita este 10 y 11 de septiembre a el Parque El Country de Bogotá (cll 127 # 11D-90) y así escuchar las nuevas tendencias del jazz en el país, y también ver la presentación de invitados internacionales como Don Byron, Gregory Mareel y el aclamado guitarrista John Scofield, famoso por sus colaboraciones con Miles Davis, Charles Mingus, Medeski Martin & Wood, Herbie Hancock, Pat Metheny entre otros.

Sábado 10 de septiembre

12:30 p.m. Álvarez y Sepulveda

1:25 p.m. Gina Savino trío

2:20 p.m. Etcétera

3:15 p.m. Chia's Dance Party

4:25 p.m. Como Asesinar a Felipes (Chile)

5:30 p.m. Garujazz

6:25 p.m. Diego Valdez Quinteto

7:35 p.m. John Scofield (Estados Unidos)

Domingo 11 de septiembre

12:50 p.m. Alejandro Flórez y tibaguí

1:20 p.m. Alejandro Fernández quinteto

2:15 p.m. Meridian Brothers

3:20 p.m. Gregoire Maret (Suiza)

4:25 p.m. South People

5:20 p.m. Don Byron-Ivey Divey

6:50 p.m. Big Band Bogotá

Los Amigos Invisibles, dos décadas de pura gozadera

La banda venezolana de disco-funk, salsa y merengue, estará de vuelta en Bogotá para celebrar sus 20 años con una pachanga inolvidable.

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La historia de Los Amigos Invisibles, empieza en al año 1991, cuando Julio Briceño (Voz), José Luis “Cheo” Pardo (guitarra), Armando Figueredo (teclados), Mauricio Arcas (percusión), José Torres (bajo)) y Juan Manuel Roura (batería), se reunen para hacer una mezcla entre funk, acid jazz y ritmos latinos. Su primer disco "A Typical and Autoctonal Venezuelan Dance Band", (1994) tiene una historia particular: por aquellas casualidades de la vida, una de las pocas copias que prensó la banda, llegó a manos del músico David Byrne (Talking Heads), quien los firmaría para su sello discográfico Luaka Bop. Impulsados en este nuevo camino, los venezolanos lanzan un nuevo disco en 1998 llamado "The New Sound of the Venezuelan Gozadera" que incluyó uno de los éxitos más sonados de la banda, “ Ponerte en cuatro”.

Dos años más tarde, Los Amigos Invisibles entran al estudio para grabar una placa memorable en su carrera, "Arepa 3000: A Venezuelan Journey Into Space" disco publicado el año 2000 y que recibe nominaciones para el Grammy Anglo, y el Grammy Latino; de ahí se desprenden canciones como La Vecina, Mujer Policíay Cuchi-Cuchi. Después de radicarse en la ciudad de New York en el año 2001, Los Invisibles se empiezan a consolidar como representantes de la música hispana en EE.UU. La agrupación venezolana grabó desde la gran manzana “The Venezuelan Zinga Son, Vol.1” (2003) el cual sería el último disco con el sello Luaka Bop, “Superpop Venezuela” (2006).

La banda que actualmente continúa promocionando “Commercial” (2009) disco con el que obtuvieron el Grammy Latino a Mejor Álbum de Música Alternativa, también aprovecha la gira de sus 20 años para tocar las canciones inéditas de su más reciente producción “Not So Commercial” (2011) editado por la disquera Gozadera Records.

"Tanto como nuestro público cachaco, Los Amigos Invisibles hemos estado esperando volver a Bogotá, tierra de mujeres hermosas y de cordialidad. Además, cumplir veinte años de gozadera y poder celebrarlo cerca de las estrellas no es poca cosa" afirma el sexteto mediante un comunicado de prensa.

La fiesta con Los Amigos Invisibles, será el el próximo 5 de agosto en el Teatro Metro de la capital colombiana. Junto a ellos, también estará otro reconocido músico, dj y productor de el hermano país, Mike Cerda “MkC”, presentando su nuevo disco “Caribbean Swagga”.

Todos Tus Muertos

El director Carlos Moreno, conocido por su película “Perro Come Perro” del 2008, regresa a las salas de cine con su segundo largometraje llamado Todos Tus Muertos; esta cinta que fue producida por Diego Ramírez y co-escrita por el mismo Moreno y Alonso Torres, ha participado en diferentes festivales de cine como el de Rotterdam (Holanda), San Sebastian (España); la película que también ha recibido elogios par parte de la crítica especializada, ganó el premio a mejor fotografía el pasado mes de enero en el Festival Sundance en Estados Unidos, uno de los encuentros más importantes del cine independiente en el mundo.

Hablamos con su director Carlos Moreno, previo al lanzamiento de la película que llegará a todas las salas de cine el próximo 15 de julio.

Carlos, hablemos un poco de la historia que quiso contar y mostrar en “Todos Tus Muertos”

Lo que queríamos hacer con TODOS TUS MUERTOS era básicamente un experimento; pretendíamos hacer un largometraje con un equipo de producción reducido, configurar un modelo de producción propio, siguiendo una premisa narrativa muy simple, trabajando la dirección arte y la fotografía bajo un estilo muy naturalista, e invitando a los actores a crear colectivamente el universo del relato. Creo que todos, incluyendo al chef que nos preparó la comida durante el rodaje, tuvimos la oportunidad de vivir una experiencia cinematográfica muy particular y cada vez más escasa en las dinámicas del cine. El objetivo era aprender, lo hicimos y quedamos con sed de más experiencias similares.

El conflicto armado que vive nuestro país, se plasma de manera implícita a manera de humor negro en esta película. ¿cómo describe esto?

Quienes hicimos esta película sentimos indignación por las condiciones y situaciones absurdas del conflicto social que vive nuestro país y que soportamos como población civil. En esta partida somos quienes pierden, quienes ponemos las víctimas y las lágrimas. El arma más emotiva y cruda con la que podemos apuntar e insultar a nuestros victimarios es el humor negro. La comedia es lo que puede salvarnos de la locura y hacer más soportable y sostenible la locura que nos contiene desde hace décadas.

La locación de Todos Tus Muertos, recrea una población colombiana, apartada, en este caso Andalucía. ¿Cómo fue el proceso para poder escoger esta locación?

La verdad es que Andalucía, Valle, fue escogida como locación por una razón muy sencilla; es el pueblo en el que mi padre tiene una finca que podíamos invadir 30 personas por 4 semanas, con el propósito de hacer una película en un cultivo de maíz cercano. Pero también nuestra película -que es casi una fábula fílmica- pretendía poner en escena el universo rural colombiano, incluso latinoamericano, y Andalucía se ajustaba perfectamente. Somos seguidores de una frase de Tolstoi que dice “Habla de tu aldea y serás universal”, y creo que contando este relato desde las entrañas de nuestro conflicto y de un pequeño pueblo del Valle del Cauca conseguimos hablar de la indolencia humana.

¿Qué significa ganar un premio como el de fotografía en el Festival de Sundance?

Creo que ni Diego Jiménez, el director de fotografía, alcanza a dimensionar el significado de haber ganado el premio a la fotografía en el festival de cine de Sundance. Antes que nada es haber sacado el botín de una apuesta personal; Nos planteamos el riesgo de hacer una película usando enteramente la luz natural y eso exige paciencia, perseverancia y quizás lo más importante: inspiración. Diego tuvo todo y tiene el resto de su vida profesional para celebrarlo. La película es la prueba de su sensibilidad, de su capacidad de observación, de su astucia como fotógrafo y de su actitud humilde y diáfana en el trabajo. Sin duda, otra parte de la estatuilla pertenece Diego Ramírez, productor, por confiar y ser cómplice de mi insensatez; hacer un largometraje en esas condiciones es tener fe y pertenecer a un apostolado del cine.

¿Cómo ve el cine independiente en Colombia actualmente, respecto a otros países en Sudamérica?

Sin duda que desde que existe la ley de cine se han abierto las posibilidades para todos de hacer cine. Aún hay mucho por corregir, pero si miramos hacia atrás nos encontraríamos con un terreno árido, exclusivo, marginado, en el cual muchos no teníamos cabida. Creo que hoy nuestra atención debería enfocarse en la formación de público. De crear y consolidar un público local auténtico, respetuoso por el cine colombiano, que lo considere parte de su patrimonio. Eso ha logrado países que nos llevan una importante ventaja cinematográfica como México, Argentina, Brasil y Chile. Siempre seremos independientes, nunca podremos enfrentarnos a la maquinaria de los grandes estudios, pero conservando nuestra identidad y esencia cultivaremos nuestro público, nuestra parcela desde la que puede crecer un cine colombiano vigoroso.

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Todos Tus Muertos
Estreno Nacional Julio 15
Director: Carlos Moreno
Guión: Carlos Moreno y Alonso Torres
Productor: Diego Ramírez
Director de Fotografía: Diego Jiménez
Reparto: Alvaro Rodríguez, Martha Márquez, Jorge Herrera

Cerati, un año en silencio #elsilencioesmúsica

Retrato por María José Arango: técnica, colores

Era una tarde de agosto de 1959, el tango sonaba por la Avenida Alcorta, mientras en un hospital de Buenos Aires nacía uno de los músicos más importantes de la historia del rock en español. Gustavo Adrián Cerati Clark, hijo de Juan José Cerati y Lilian Clark; primero entre dos hijos al lado de su hermana Laura, cinco años menor que él. Cerati, aquel “pibe” que sobresalía en deportes y pintura durante su infancia, mostraría también una fuerte inclinación a la música formando algunas bandas de rock en el colegio donde tocaban clásicos de, The Beatles, The Police, The Cure, Spinetta, entro otros artistas que marcaron las primeras influencias en su proceso de músico. Después de prestar servicio militar, Cerati entró en la Universidad del Salvador a estudiar Publicidad; es allí donde conoce a Zeta Bosio (bajo) con quien empieza a construir junto a Charly Alberti (batería) el largo y exitoso camino de la banda icono de Argentina, Soda Stereo.

La historia de Soda, registra en sus anales siete discos de estudio donde se destacan, “Doble Vida” (1988), “Canción Animal” (1990), “Dynamo” (1992), y otros ocho discos repartidos en grandes éxitos, shows en vivo como “Comfort y Música Para Volar, Mtv Unplugged” (1996) “El Ultimo Concierto” (1997) que marcó el fin de la banda en un estadio Monumental de River lleno de música, lágrimas, champaña, y más de 70 mil personas cantando a una sola voz.

Pese a la separación del trió, el camino de Cerati no paraba ahí: Gustavo, siempre tuvo colaboraciones con otros músicos y etapas como solista; en 1992 se edita el disco “Colores Santos” junto al músico y compositor argentino, Daniel Melero. Un año después y luego de un descanso de Soda al terminar la gira Dynamo, Cerati sorprende al público con su primer disco en solitario, “Amor Amarillo” (1993), el cual muestra la etapa electrónica por la que pasaba en ese momento, y que marcaría la tendencia hacia su música más adelante. En 1996, nace otro proyecto underground , “Plan V” con el que editaron dos discos. Paralelo a esto, Cerati hace un proyecto con su amigo Flavius Etcheto, teclista en vivo en las giras de Gustavo llamado “Ocio” y con el que también editaron dos discos, Insular y Media Universal. Para el año 1999, tan sólo un año y medio después de la separación de Soda Stereo, Cerati saca su segunda placa como solista, “Bocanada”, un disco que reafirmó su nueva etapa y lo lanzó por una gira en varios países de Sudamérica. En el año 2002, Gustavo regresa inspirado en la exploración sonora como él lo llama. “Siempre es Hoy” se convierte rápidamente en éxito de ventas en Argentina y varios países. Durante esta gira, Cerati, forma Roken, proyecto denominado power laptop trío, junto a dos de sus músicos, Leandro Fresco y Flavius E.

Pasaron cuatro años para que Cerati volviera a tocar la puerta de sus fans con un nuevo disco llamado “Ahí Vamos” (2006); canciones que mostraron un cambio de 180 grados en lo que a música respecta. Un disco lleno de rock, más alejado de la electrónica, cargado de guitarras y con un show en vivo contundente que pasó por varios países incluyendo Colombia. Muchos recordamos aquel concierto en la Plaza de Toros de Bogotá, con una luna llena iluminando la arena, una energía a tope que se sentía en el público coreando Puente, y un Cerati cantando gracias por venir. En el 2009 llega “Fuerza Natural”, el corcel negro inspirado en sus dos hijos Benito y Lisa, que muestra una producción más conservadora dando un fuerte giro musical, un cambio de estructura, un aire nuevo. Un disco que para algunos marca un alto en el camino de Cerati, y para otros, que creen en milagros, esperan con paciencia a que se levante ese “rubio”, como lo llama su madre.

Recuerdo que tuve la oportunidad de conversar con Gustavo Cerati en septiembre de 2006, un día antes de su show en Bogotá sobre estos cambios y esto me respondió esa vez:

¿Por qué cambiar tanto el sonido de este disco “Ahí Vamos”, con respecto a “Siempre es Hoy” que venía lleno de beats y una tendencia electrónica?

GC: Sabes por qué? Porque mira, pasan tres años y me aburro de tocar lo mismo por mucho tiempo y necesito cambiar las cosas; entonces en esa situación se va produciendo el cambio sonoro, ya sea por lo que voy escuchando. la verdad que no me lo explico muy bien como llega ese cambio…llega un momento donde llegan nuevas canciones y de alguna manera trato de empezar de cero. El papel en blanco me hace sentir que ahí vamos de vuelta.

¿Se siente más identificado con esta nueva etapa?

GC: Mmmm pues no sé…tendría que decir que sí? (risas) de otra manera siento que no me quiero repetir, soy muy dialéctico, hago un disco blanco y después quiero hacer un disco negro. A veces me encantaría, que se yo, hacer todo lo que se me imagina, pero necesito hacer lo opuesto: por ejemplo, “Siempre es Hoy” es un disco largo, extenso, intenso, un poco disperso también, con diferentes cosas, diferentes épocas; podría haber sido doble, era la idea, y este es un disco más conciso, es como un punto contrario por decirlo de alguna manera. Pero igual todo es parte del mismo viaje.

Septiembre 6 de 2006, Bogotá. Gira “Ahí Vamos”

Hace un año, y justo después de cerrar la gira “Fuerza Natural” en Venezuela, la cuenta oficial de Gustavo Cerati en Twitter, daba la noticia de una descompensación del músico argentino debido a la presión, pero que luego se convirtió en un accidente cerebro vascular que lo tiene en coma inducido desde el pasado 16 de mayo de 2010. Miles de seguidores saturaron las redes sociales con mensajes de ánimo para “Gus”. La noticia que le dio la vuelta al mundo, impactó fuertemente a la escena musical de Latinoamérica, que vio en Gustavo Cerati una gran influencia, un aporte implícito para el desarrollo del rock en español, y claro está, un legado de letras y música que se quedaran en la historia.

Ha pasado un año, Cerati sigue en silencio; un silencio convertido en música que no desaparece, una historia sin final. Gustavo toma otro barco aunque no quiera hacerlo; así lo escribió en su canción, pero ya no importa.

“Fuerza Cerati, todos seguimos esperándote al otro lado del Río Babel”

Zoé se reinventa con un desconectado

La banda de rock en español más importante del momento, experimenta con sus canciones manteniendo la esencia.

La historia de Zoé, viene desde el año 1997 cuando León Larregui (voz), Sergio Acosta (guitarra), Ángel Mosqueda (bajo), Chucho Báez (teclados) y Beto Cabrera (batería), empiezan a sonar en la escena underground de México con un un demo que circulaba por algunos bares, y que los mismos integrantes de la banda regalaban a sus más cercanos amigos. Gestionando sus propios conciertos y cargando sus instrumentos al hombro, Zoé logró capturar una importante fanaticada que llevó a las disqueras a poner sus ojos sobre ellos y así empezar un largo camino que daba frutos con el lanzamiento de su primer disco en el 2001 llamado “Zoé” y en el que se destacan canciones como Deja te Conecto y Miel. Para el año 2003, la banda saca un nuevo disco llamado “Rocanlover”, producido por Phill Vinall (Placebo, Elastica), quien también produjo su tercer disco “Memo Rex Commander y el Corazón Atómico de la Vía Láctea”, publicado en el 2006, y donde debutó su actual baterista Rodrigo Guardiola. Estos dos discos que consolidaron de manera fuerte a Zoé no sólo en México sino en varios países, catapultaron a la banda a un éxito rodeado de buen gusto y respeto por parte de la crítica. Caracterizados por su ambiente electrónico y su mezcla entre guitarras eléctricas y unas delicadas líricas a cargo de León, Zoé regresó con “Reptilectric" en el 2008, un disco que sin duda marcó un punto muy alto en su carrera. Después de una larga gira por varios países y de un corto descanso, Zoé vuelve este año con su Mtv Unplugged llamado “Música de Fondo” y que será lanzado el próximo 22 de marzo. De esta manera, la banda mexicana más importante de la actualidad en la industria del rock en español, encuentra una forma para reinventar sus canciones mediante un desconectado, una reinvención, que ellos han calificado como todo un sueño.

Desde las oficinas de Emi en Colombia, y con un tinto sobre la mesa, entra la llamada desde México; al otro lado se escucha la voz de Ángel Mosqueda, bajista de Zoé.

Hola Ángel cómo estás, gracias por atender esta llamada.

Hola, un saludo bien especial.

La historia de los Mtv Unplugged habla por sí misma; bandas como The Cure, Nirvana, Sting, Soda Stereo han pasado por ahí. ¿Qué significó para Zoé grabar un desconectado?

Pues mira, yo creo que casi cualquier banda contempla la posibilidad de realizar algo así. Creo que para nosotros fue un sueño grabar un Mtv Unplugged. En un principio sólo lo soñábamos, pero fue hasta el año pasado cuando nos invitaron y en ese momento empezamos a trabajar y a planear lo que iba a ser el Mtv de Zoé. En ese planteamiento y en esa lluvia de ideas, surgieron cosas interesantes como la necesidad y el deseo de hacer un Unplugged diferente, un Unplugged con el sello de Zoé; más que versiones acústicas, se nos ocurrió hacer nuevas versiones de nuestras canciones y creo que el resultado nos deja satisfechos.

Dejaron a un lado las guitarras eléctricas y los sintetizadores. ¿Cómo describen la experiencia de hacer nuevas versiones de sus canciones, pero esta vez tocadas con instrumentos acústicos?

Nosotros sabíamos de las restricciones de este proyecto, y pues sí, teníamos que olvidarnos de toda nuestra cuestión electrónica, por lo menos en cuanto a instrumentos, puesto que la ideología o ese toque electro por ahí también se le puede dar con instrumentos acústicos que fue lo que hicimos de alguna manera. Sin embargo, la parte electrónica nunca la olvidamos; por ahí están esas texturas o ese enfoque que a Zoé lo caracteriza. Por otro lado tuvimos la oportunidad de trabajar con muchos instrumentos con los cuales no habíamos tocado como el Vibráfono, el Ukulele y el Banjo; la batería de Rodrigo era una estación bastante bizarra de charolas, por ahí hay una jaula de pájaro que sirve como percusión. Fue una experiencia la verdad bien enriquecedora a nivel experimental.

Hablemos de los invitados de Zoé en este Mtv Unplugged

Para este proyecto invitamos a varios amigos que admiramos como Enrique Bunbury, Adrián Dargelos de Babasónicos; También nos acompaño Andrés Sánchez quien tiene un proyecto llamado “Sánchez Dub” y en la antigüedad era el bajista de “Titan”. Por otro lado estuvo Denisse, la cantante de Hello Seahorse, un grupo nuevo que se está dando a conocer muy bien por toda Latinoamérica; Chetes, un excelente amigo, un excelente compositor, interprete y multiinstrumentista con el cual ya habíamos trabajado anteriormente, y por último Yamil Rezc, un productor mexicano y amigo músico.

Algunas veces es difícil cuadrar un set list para un concierto y en este caso lo que iban a tocar. ¿Cómo fue el proceso de seleccionar las canciones para el Unplugged?

Es cierto, a muchas bandas les pasa. Afortunadamente en ese tipo de situaciones nos ponemos de acuerdo muy rápido. Para el Unplugged hicimos una selección de más de 20 tracks que les veíamos posibilidad o queríamos que estuvieran adentro. A medida que pasaban los ensayos y por eliminación natural se fueron unas, quizás canciones que nos costaron mucho trabajo y finalmente se fueron quedando las que más nos iban gustando en cuanto a este nuevo enfoque.

Durante el proceso de crear un disco, ustedes siempre experimentan con sonidos y proceso de efectos. ¿Cuál es ese equilibrio que manejan entre lo análogo y lo digital al momento de hacer una canción?

Pues mira, en realidad el balance no lo da nuestra propia intuición en relación con la canción que estamos haciendo; por ejemplo a una canción como “Love” no le vamos a meter efectos, ¿estás de acuerdo no?. Nos guiamos mucho por la línea de la canción ya que somos un grupo que funciona mucho con lo que pasa en el momento y a veces por ahí metes muchos sonidos y lo que haces es dañar algo. Quizá hay otras canciones que te dan más oportunidad y opción de experimentar. Básicamente no nos gusta forzar la naturaleza de una canción.

Su disco más reciente de estudio fue Reptilectric el cual marcó un punto importante para la banda a nivel de sonido y de internacionalización. ¿Cuál es el balance que deja para Zoé un disco como este?

Sin duda, el Reptilectric es un disco que nos ha dado mucho a nivel no sólo México, sino internacional como tú dices. Latinoamérica ha sido un buen receptor de nuestra música y el balance es muy positivo. Definitivamente estamos muy contentos con todo lo que ha pasado y creemos que el disco refleja muy bien el momento de la banda. Ahora con el Mtv Unplugged le damos la vuelta al Reptilectric, y también estamos muy contentos con este nuevo proyecto. Cabe mencionar que tenemos en la mira la creación de un nuevo disco de estudio para el siguiente año, y esperamos que este saliendo por ahí en marzo.

En discos anteriores ustedes han incluido canciones en inglés como Random Time, Whatever o Human Space Volt. Ahora la tendencia hacia las letras en español se vuelve más fuerte. ¿Cuál es su opinión de esto? lo pregunto porque en Colombia a veces las bandas que hacen música en inglés son cuestionadas por cantar en otro idioma.

Es cierto, a nosotros nos pasó y a veces la gente no compartía el hecho que cantáramos en otro idioma, pero somos un grupo que escucha mucha música en inglés, y pues cuando empezamos el grupo creíamos que ciertas canciones por su naturaleza se tenían que quedar ahí. Sin embargo, la tendencia es muy clara con el ultimo disco de Zoé, todo en español, cero canciones en inglés.

Ir de gira ya sea grande o pequeña es difícil por lo agotador que pude llegar a ser viajar de un país a otro en pocos días. ¿Qué hace Zoé mientras está de gira para compensar la falta de casa?

En realidad tenemos una responsabilidad, si te dedicas a esto y estás de gira pues pásatelo lo mejor posible; a veces hacen falta cosas, pero para compensar esa falta de hogar, siempre tratamos de estar comunicados con nuestros amigos y familia.

¿Tienen algún ritual antes de salir a un concierto?

Pues mira, antes de un concierto siempre estamos juntos en el camerino platicando de cualquier cosa, y pues quizá antes del show nos damos un abrazo, un saludo y nos deseamos buena suerte. Pero nada fuera del otro mundo (risas)…

Ustedes han sido invitados a Rock al Parque en dos oportunidades, 2006 y 2010, también dieron un show de su gira Reptilectric a finales del 2009 el cual fue Sold Out en el Teatro Metro de Bogotá. ¿Cómo han visto la respuesta del público en cada visita a nuestro país?

Pues definitivamente sentimos una conexión especial con el pueblo colombiano y creo que hay mucho futuro entre Zoé y Colombia. Vemos que los discos han sido muy bien recibidos y en general nuestra música. Lo que queremos hacer es agradecer a la gente de Colombia por la aceptación, porque viene un buen futuro de Zoé.

Cómo ven la industria musical con todo este tema de las redes sociales y el manejo de la información con sus fans?

Lo tratamos como una realidad, no es un futuro, es un presente. Por ejemplo en twitter nos pasa que a veces no podemos responder cada tweet de los fans porque tenemos más de cien mil personas inscritas, pero sí hay una retroalimentación de todo lo que nos escriben. Algunas personas a veces no están contentas con algo del show y siempre tratamos de estar cerca de ellos mediante esto. Más que nada, nosotros utilizamos estas redes para brindar información importante sobre la banda, ya sea alguna noticia o fechas de nuestros shows como el caso de Colombia cuando confirmamos el concierto y todos respondieron.

Regresan a Colombia en el mes de abril para presentarse en la segunda edición del Festival Estéreo Picnic semanas después del lanzamiento de su Mtv Unplugged. ¿Tienen alguna sorpresa para este show?

Pues mira, vamos a estar presentando nuestro show que normalmente presentamos en los festivales, y a lo mejor alguna canción nueva, o alguna que no hayamos tocado puesto que en un festival las condiciones tampoco te permiten de hacer tanta cosa. Sin embargo, es posible otras sorpresas. Lo importante es la posibilidad de volver a estar pisando un escenario en Colombia y tocando ante la gente de ahí que siempre nos ha recibido muy bien.

La magia de James Murphy

Es un hecho, la tecnología se ha vuelto un elemento indispensable para crear música, sobre todo si escuchamos los discos de esta última década. Desde aquellos grandes sintetizadores de los años 80, y ahora emulados en pequeñas cajas con teclas, hasta las nuevas aplicaciones de instrumentos para teléfonos como el iphone, vemos una clara tendencia hacia estos nuevos recursos aplicados a muchas canciones. Un ejemplo de este avance tecnológico, se plasma en la música de James Murphy, fundador del sello DFA records (Death From Above), y amante de todo tipo de procesadores análogos y digitales. Murphy, de origen Inglés y radicado en la ciudad de New York, es el líder junto con Tim Goldsworthy de LCD Soundsystem, una de las bandas más importantes de la actualidad dentro del género dance-electropunk.

Antes del proceso creativo de su primer álbum publicado en 2005, LCD Soundsystem, ya había sacado un single en el año 2002, llamado “Losing my Edge”, el cual se podía descargar fácilmente por internet. Con este disco homónimo, LCD Soundsystem fue calificada por la crítica como algo fresco y novedoso. Meses después de su lanzamiento, y luego de llegar a los primeros lugares en los listados de música de varios países, la banda de Murphy recibió una doble nominación a los premios Grammy como mejor disco electrónico, y mejor grabación dance por su single, “Daft Punk is Playing at my House”. Dos años más tarde, y tras un disco de remixes editado bajo su sello discográfico DFA, Murphy y Goldsworthy, lanzaron al mercado su segundo disco llamado, Sound of Silver (2007). Aquí se escucha un sonido más contundente; la magia de James Murphy recuerda aquellos teclados hechos por el mítico Brian Eno en los años 80. La balada que cierra el disco, “New York, I Love You But You're Bringing Me Down”, es interpretada bajo un cálido sonido de piano y una batería que viaja por el ritmo ternario al estilo de un buen jazz.

Volvieron a pasar unos años para que Murphy y compañía, volvieran a entrar a estudio y así lanzar un nuevo álbum; el año escogido, 2010, el nombre, “This is Happening”. Un disco que como los dos anteriores, muestra una creatividad enorme y una evolución que acompaña siempre a este dúo en cada producción. Calificado también como uno de los mejores discos del 2010 según la prensa especializada de Estados Unidos y Europa, LCD Soundsystem llega el próximo 25 de febrero a Colombia en el marco de su gira por Sudamérica, y de paso para tocar en el lanzamiento oficial de la segunda edición del exitoso y bien organizado Festival Estéreo-Picnic.

En una entrevista reciente, James Murphy asegura que esta será la última gira de la banda, ya que a sus 40 años quiere descansar y poder levantarse todas las mañanas en su casa, rodeado de su colección de más de 7000 mil discos, y de una sala donde los invitados al desayuno son guitarras, bajos y un piano de cola. Eso es LCD Soundsystem, una mezcla de sonidos, de historias, todo un coctel sonoro para los oídos de un público que disfruta siempre cada nota que logra crear Murphy en sus canciones; definitivamente un concierto para no perderse.