Todos Tus Muertos

El director Carlos Moreno, conocido por su película “Perro Come Perro” del 2008, regresa a las salas de cine con su segundo largometraje llamado Todos Tus Muertos; esta cinta que fue producida por Diego Ramírez y co-escrita por el mismo Moreno y Alonso Torres, ha participado en diferentes festivales de cine como el de Rotterdam (Holanda), San Sebastian (España); la película que también ha recibido elogios par parte de la crítica especializada, ganó el premio a mejor fotografía el pasado mes de enero en el Festival Sundance en Estados Unidos, uno de los encuentros más importantes del cine independiente en el mundo.

Hablamos con su director Carlos Moreno, previo al lanzamiento de la película que llegará a todas las salas de cine el próximo 15 de julio.

Carlos, hablemos un poco de la historia que quiso contar y mostrar en “Todos Tus Muertos”

Lo que queríamos hacer con TODOS TUS MUERTOS era básicamente un experimento; pretendíamos hacer un largometraje con un equipo de producción reducido, configurar un modelo de producción propio, siguiendo una premisa narrativa muy simple, trabajando la dirección arte y la fotografía bajo un estilo muy naturalista, e invitando a los actores a crear colectivamente el universo del relato. Creo que todos, incluyendo al chef que nos preparó la comida durante el rodaje, tuvimos la oportunidad de vivir una experiencia cinematográfica muy particular y cada vez más escasa en las dinámicas del cine. El objetivo era aprender, lo hicimos y quedamos con sed de más experiencias similares.

El conflicto armado que vive nuestro país, se plasma de manera implícita a manera de humor negro en esta película. ¿cómo describe esto?

Quienes hicimos esta película sentimos indignación por las condiciones y situaciones absurdas del conflicto social que vive nuestro país y que soportamos como población civil. En esta partida somos quienes pierden, quienes ponemos las víctimas y las lágrimas. El arma más emotiva y cruda con la que podemos apuntar e insultar a nuestros victimarios es el humor negro. La comedia es lo que puede salvarnos de la locura y hacer más soportable y sostenible la locura que nos contiene desde hace décadas.

La locación de Todos Tus Muertos, recrea una población colombiana, apartada, en este caso Andalucía. ¿Cómo fue el proceso para poder escoger esta locación?

La verdad es que Andalucía, Valle, fue escogida como locación por una razón muy sencilla; es el pueblo en el que mi padre tiene una finca que podíamos invadir 30 personas por 4 semanas, con el propósito de hacer una película en un cultivo de maíz cercano. Pero también nuestra película -que es casi una fábula fílmica- pretendía poner en escena el universo rural colombiano, incluso latinoamericano, y Andalucía se ajustaba perfectamente. Somos seguidores de una frase de Tolstoi que dice “Habla de tu aldea y serás universal”, y creo que contando este relato desde las entrañas de nuestro conflicto y de un pequeño pueblo del Valle del Cauca conseguimos hablar de la indolencia humana.

¿Qué significa ganar un premio como el de fotografía en el Festival de Sundance?

Creo que ni Diego Jiménez, el director de fotografía, alcanza a dimensionar el significado de haber ganado el premio a la fotografía en el festival de cine de Sundance. Antes que nada es haber sacado el botín de una apuesta personal; Nos planteamos el riesgo de hacer una película usando enteramente la luz natural y eso exige paciencia, perseverancia y quizás lo más importante: inspiración. Diego tuvo todo y tiene el resto de su vida profesional para celebrarlo. La película es la prueba de su sensibilidad, de su capacidad de observación, de su astucia como fotógrafo y de su actitud humilde y diáfana en el trabajo. Sin duda, otra parte de la estatuilla pertenece Diego Ramírez, productor, por confiar y ser cómplice de mi insensatez; hacer un largometraje en esas condiciones es tener fe y pertenecer a un apostolado del cine.

¿Cómo ve el cine independiente en Colombia actualmente, respecto a otros países en Sudamérica?

Sin duda que desde que existe la ley de cine se han abierto las posibilidades para todos de hacer cine. Aún hay mucho por corregir, pero si miramos hacia atrás nos encontraríamos con un terreno árido, exclusivo, marginado, en el cual muchos no teníamos cabida. Creo que hoy nuestra atención debería enfocarse en la formación de público. De crear y consolidar un público local auténtico, respetuoso por el cine colombiano, que lo considere parte de su patrimonio. Eso ha logrado países que nos llevan una importante ventaja cinematográfica como México, Argentina, Brasil y Chile. Siempre seremos independientes, nunca podremos enfrentarnos a la maquinaria de los grandes estudios, pero conservando nuestra identidad y esencia cultivaremos nuestro público, nuestra parcela desde la que puede crecer un cine colombiano vigoroso.

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Todos Tus Muertos
Estreno Nacional Julio 15
Director: Carlos Moreno
Guión: Carlos Moreno y Alonso Torres
Productor: Diego Ramírez
Director de Fotografía: Diego Jiménez
Reparto: Alvaro Rodríguez, Martha Márquez, Jorge Herrera

Cerati, un año en silencio #elsilencioesmúsica

Retrato por María José Arango: técnica, colores

Era una tarde de agosto de 1959, el tango sonaba por la Avenida Alcorta, mientras en un hospital de Buenos Aires nacía uno de los músicos más importantes de la historia del rock en español. Gustavo Adrián Cerati Clark, hijo de Juan José Cerati y Lilian Clark; primero entre dos hijos al lado de su hermana Laura, cinco años menor que él. Cerati, aquel “pibe” que sobresalía en deportes y pintura durante su infancia, mostraría también una fuerte inclinación a la música formando algunas bandas de rock en el colegio donde tocaban clásicos de, The Beatles, The Police, The Cure, Spinetta, entro otros artistas que marcaron las primeras influencias en su proceso de músico. Después de prestar servicio militar, Cerati entró en la Universidad del Salvador a estudiar Publicidad; es allí donde conoce a Zeta Bosio (bajo) con quien empieza a construir junto a Charly Alberti (batería) el largo y exitoso camino de la banda icono de Argentina, Soda Stereo.

La historia de Soda, registra en sus anales siete discos de estudio donde se destacan, “Doble Vida” (1988), “Canción Animal” (1990), “Dynamo” (1992), y otros ocho discos repartidos en grandes éxitos, shows en vivo como “Comfort y Música Para Volar, Mtv Unplugged” (1996) “El Ultimo Concierto” (1997) que marcó el fin de la banda en un estadio Monumental de River lleno de música, lágrimas, champaña, y más de 70 mil personas cantando a una sola voz.

Pese a la separación del trió, el camino de Cerati no paraba ahí: Gustavo, siempre tuvo colaboraciones con otros músicos y etapas como solista; en 1992 se edita el disco “Colores Santos” junto al músico y compositor argentino, Daniel Melero. Un año después y luego de un descanso de Soda al terminar la gira Dynamo, Cerati sorprende al público con su primer disco en solitario, “Amor Amarillo” (1993), el cual muestra la etapa electrónica por la que pasaba en ese momento, y que marcaría la tendencia hacia su música más adelante. En 1996, nace otro proyecto underground , “Plan V” con el que editaron dos discos. Paralelo a esto, Cerati hace un proyecto con su amigo Flavius Etcheto, teclista en vivo en las giras de Gustavo llamado “Ocio” y con el que también editaron dos discos, Insular y Media Universal. Para el año 1999, tan sólo un año y medio después de la separación de Soda Stereo, Cerati saca su segunda placa como solista, “Bocanada”, un disco que reafirmó su nueva etapa y lo lanzó por una gira en varios países de Sudamérica. En el año 2002, Gustavo regresa inspirado en la exploración sonora como él lo llama. “Siempre es Hoy” se convierte rápidamente en éxito de ventas en Argentina y varios países. Durante esta gira, Cerati, forma Roken, proyecto denominado power laptop trío, junto a dos de sus músicos, Leandro Fresco y Flavius E.

Pasaron cuatro años para que Cerati volviera a tocar la puerta de sus fans con un nuevo disco llamado “Ahí Vamos” (2006); canciones que mostraron un cambio de 180 grados en lo que a música respecta. Un disco lleno de rock, más alejado de la electrónica, cargado de guitarras y con un show en vivo contundente que pasó por varios países incluyendo Colombia. Muchos recordamos aquel concierto en la Plaza de Toros de Bogotá, con una luna llena iluminando la arena, una energía a tope que se sentía en el público coreando Puente, y un Cerati cantando gracias por venir. En el 2009 llega “Fuerza Natural”, el corcel negro inspirado en sus dos hijos Benito y Lisa, que muestra una producción más conservadora dando un fuerte giro musical, un cambio de estructura, un aire nuevo. Un disco que para algunos marca un alto en el camino de Cerati, y para otros, que creen en milagros, esperan con paciencia a que se levante ese “rubio”, como lo llama su madre.

Recuerdo que tuve la oportunidad de conversar con Gustavo Cerati en septiembre de 2006, un día antes de su show en Bogotá sobre estos cambios y esto me respondió esa vez:

¿Por qué cambiar tanto el sonido de este disco “Ahí Vamos”, con respecto a “Siempre es Hoy” que venía lleno de beats y una tendencia electrónica?

GC: Sabes por qué? Porque mira, pasan tres años y me aburro de tocar lo mismo por mucho tiempo y necesito cambiar las cosas; entonces en esa situación se va produciendo el cambio sonoro, ya sea por lo que voy escuchando. la verdad que no me lo explico muy bien como llega ese cambio…llega un momento donde llegan nuevas canciones y de alguna manera trato de empezar de cero. El papel en blanco me hace sentir que ahí vamos de vuelta.

¿Se siente más identificado con esta nueva etapa?

GC: Mmmm pues no sé…tendría que decir que sí? (risas) de otra manera siento que no me quiero repetir, soy muy dialéctico, hago un disco blanco y después quiero hacer un disco negro. A veces me encantaría, que se yo, hacer todo lo que se me imagina, pero necesito hacer lo opuesto: por ejemplo, “Siempre es Hoy” es un disco largo, extenso, intenso, un poco disperso también, con diferentes cosas, diferentes épocas; podría haber sido doble, era la idea, y este es un disco más conciso, es como un punto contrario por decirlo de alguna manera. Pero igual todo es parte del mismo viaje.

Septiembre 6 de 2006, Bogotá. Gira “Ahí Vamos”

Hace un año, y justo después de cerrar la gira “Fuerza Natural” en Venezuela, la cuenta oficial de Gustavo Cerati en Twitter, daba la noticia de una descompensación del músico argentino debido a la presión, pero que luego se convirtió en un accidente cerebro vascular que lo tiene en coma inducido desde el pasado 16 de mayo de 2010. Miles de seguidores saturaron las redes sociales con mensajes de ánimo para “Gus”. La noticia que le dio la vuelta al mundo, impactó fuertemente a la escena musical de Latinoamérica, que vio en Gustavo Cerati una gran influencia, un aporte implícito para el desarrollo del rock en español, y claro está, un legado de letras y música que se quedaran en la historia.

Ha pasado un año, Cerati sigue en silencio; un silencio convertido en música que no desaparece, una historia sin final. Gustavo toma otro barco aunque no quiera hacerlo; así lo escribió en su canción, pero ya no importa.

“Fuerza Cerati, todos seguimos esperándote al otro lado del Río Babel”

Zoé se reinventa con un desconectado

La banda de rock en español más importante del momento, experimenta con sus canciones manteniendo la esencia.

La historia de Zoé, viene desde el año 1997 cuando León Larregui (voz), Sergio Acosta (guitarra), Ángel Mosqueda (bajo), Chucho Báez (teclados) y Beto Cabrera (batería), empiezan a sonar en la escena underground de México con un un demo que circulaba por algunos bares, y que los mismos integrantes de la banda regalaban a sus más cercanos amigos. Gestionando sus propios conciertos y cargando sus instrumentos al hombro, Zoé logró capturar una importante fanaticada que llevó a las disqueras a poner sus ojos sobre ellos y así empezar un largo camino que daba frutos con el lanzamiento de su primer disco en el 2001 llamado “Zoé” y en el que se destacan canciones como Deja te Conecto y Miel. Para el año 2003, la banda saca un nuevo disco llamado “Rocanlover”, producido por Phill Vinall (Placebo, Elastica), quien también produjo su tercer disco “Memo Rex Commander y el Corazón Atómico de la Vía Láctea”, publicado en el 2006, y donde debutó su actual baterista Rodrigo Guardiola. Estos dos discos que consolidaron de manera fuerte a Zoé no sólo en México sino en varios países, catapultaron a la banda a un éxito rodeado de buen gusto y respeto por parte de la crítica. Caracterizados por su ambiente electrónico y su mezcla entre guitarras eléctricas y unas delicadas líricas a cargo de León, Zoé regresó con “Reptilectric" en el 2008, un disco que sin duda marcó un punto muy alto en su carrera. Después de una larga gira por varios países y de un corto descanso, Zoé vuelve este año con su Mtv Unplugged llamado “Música de Fondo” y que será lanzado el próximo 22 de marzo. De esta manera, la banda mexicana más importante de la actualidad en la industria del rock en español, encuentra una forma para reinventar sus canciones mediante un desconectado, una reinvención, que ellos han calificado como todo un sueño.

Desde las oficinas de Emi en Colombia, y con un tinto sobre la mesa, entra la llamada desde México; al otro lado se escucha la voz de Ángel Mosqueda, bajista de Zoé.

Hola Ángel cómo estás, gracias por atender esta llamada.

Hola, un saludo bien especial.

La historia de los Mtv Unplugged habla por sí misma; bandas como The Cure, Nirvana, Sting, Soda Stereo han pasado por ahí. ¿Qué significó para Zoé grabar un desconectado?

Pues mira, yo creo que casi cualquier banda contempla la posibilidad de realizar algo así. Creo que para nosotros fue un sueño grabar un Mtv Unplugged. En un principio sólo lo soñábamos, pero fue hasta el año pasado cuando nos invitaron y en ese momento empezamos a trabajar y a planear lo que iba a ser el Mtv de Zoé. En ese planteamiento y en esa lluvia de ideas, surgieron cosas interesantes como la necesidad y el deseo de hacer un Unplugged diferente, un Unplugged con el sello de Zoé; más que versiones acústicas, se nos ocurrió hacer nuevas versiones de nuestras canciones y creo que el resultado nos deja satisfechos.

Dejaron a un lado las guitarras eléctricas y los sintetizadores. ¿Cómo describen la experiencia de hacer nuevas versiones de sus canciones, pero esta vez tocadas con instrumentos acústicos?

Nosotros sabíamos de las restricciones de este proyecto, y pues sí, teníamos que olvidarnos de toda nuestra cuestión electrónica, por lo menos en cuanto a instrumentos, puesto que la ideología o ese toque electro por ahí también se le puede dar con instrumentos acústicos que fue lo que hicimos de alguna manera. Sin embargo, la parte electrónica nunca la olvidamos; por ahí están esas texturas o ese enfoque que a Zoé lo caracteriza. Por otro lado tuvimos la oportunidad de trabajar con muchos instrumentos con los cuales no habíamos tocado como el Vibráfono, el Ukulele y el Banjo; la batería de Rodrigo era una estación bastante bizarra de charolas, por ahí hay una jaula de pájaro que sirve como percusión. Fue una experiencia la verdad bien enriquecedora a nivel experimental.

Hablemos de los invitados de Zoé en este Mtv Unplugged

Para este proyecto invitamos a varios amigos que admiramos como Enrique Bunbury, Adrián Dargelos de Babasónicos; También nos acompaño Andrés Sánchez quien tiene un proyecto llamado “Sánchez Dub” y en la antigüedad era el bajista de “Titan”. Por otro lado estuvo Denisse, la cantante de Hello Seahorse, un grupo nuevo que se está dando a conocer muy bien por toda Latinoamérica; Chetes, un excelente amigo, un excelente compositor, interprete y multiinstrumentista con el cual ya habíamos trabajado anteriormente, y por último Yamil Rezc, un productor mexicano y amigo músico.

Algunas veces es difícil cuadrar un set list para un concierto y en este caso lo que iban a tocar. ¿Cómo fue el proceso de seleccionar las canciones para el Unplugged?

Es cierto, a muchas bandas les pasa. Afortunadamente en ese tipo de situaciones nos ponemos de acuerdo muy rápido. Para el Unplugged hicimos una selección de más de 20 tracks que les veíamos posibilidad o queríamos que estuvieran adentro. A medida que pasaban los ensayos y por eliminación natural se fueron unas, quizás canciones que nos costaron mucho trabajo y finalmente se fueron quedando las que más nos iban gustando en cuanto a este nuevo enfoque.

Durante el proceso de crear un disco, ustedes siempre experimentan con sonidos y proceso de efectos. ¿Cuál es ese equilibrio que manejan entre lo análogo y lo digital al momento de hacer una canción?

Pues mira, en realidad el balance no lo da nuestra propia intuición en relación con la canción que estamos haciendo; por ejemplo a una canción como “Love” no le vamos a meter efectos, ¿estás de acuerdo no?. Nos guiamos mucho por la línea de la canción ya que somos un grupo que funciona mucho con lo que pasa en el momento y a veces por ahí metes muchos sonidos y lo que haces es dañar algo. Quizá hay otras canciones que te dan más oportunidad y opción de experimentar. Básicamente no nos gusta forzar la naturaleza de una canción.

Su disco más reciente de estudio fue Reptilectric el cual marcó un punto importante para la banda a nivel de sonido y de internacionalización. ¿Cuál es el balance que deja para Zoé un disco como este?

Sin duda, el Reptilectric es un disco que nos ha dado mucho a nivel no sólo México, sino internacional como tú dices. Latinoamérica ha sido un buen receptor de nuestra música y el balance es muy positivo. Definitivamente estamos muy contentos con todo lo que ha pasado y creemos que el disco refleja muy bien el momento de la banda. Ahora con el Mtv Unplugged le damos la vuelta al Reptilectric, y también estamos muy contentos con este nuevo proyecto. Cabe mencionar que tenemos en la mira la creación de un nuevo disco de estudio para el siguiente año, y esperamos que este saliendo por ahí en marzo.

En discos anteriores ustedes han incluido canciones en inglés como Random Time, Whatever o Human Space Volt. Ahora la tendencia hacia las letras en español se vuelve más fuerte. ¿Cuál es su opinión de esto? lo pregunto porque en Colombia a veces las bandas que hacen música en inglés son cuestionadas por cantar en otro idioma.

Es cierto, a nosotros nos pasó y a veces la gente no compartía el hecho que cantáramos en otro idioma, pero somos un grupo que escucha mucha música en inglés, y pues cuando empezamos el grupo creíamos que ciertas canciones por su naturaleza se tenían que quedar ahí. Sin embargo, la tendencia es muy clara con el ultimo disco de Zoé, todo en español, cero canciones en inglés.

Ir de gira ya sea grande o pequeña es difícil por lo agotador que pude llegar a ser viajar de un país a otro en pocos días. ¿Qué hace Zoé mientras está de gira para compensar la falta de casa?

En realidad tenemos una responsabilidad, si te dedicas a esto y estás de gira pues pásatelo lo mejor posible; a veces hacen falta cosas, pero para compensar esa falta de hogar, siempre tratamos de estar comunicados con nuestros amigos y familia.

¿Tienen algún ritual antes de salir a un concierto?

Pues mira, antes de un concierto siempre estamos juntos en el camerino platicando de cualquier cosa, y pues quizá antes del show nos damos un abrazo, un saludo y nos deseamos buena suerte. Pero nada fuera del otro mundo (risas)…

Ustedes han sido invitados a Rock al Parque en dos oportunidades, 2006 y 2010, también dieron un show de su gira Reptilectric a finales del 2009 el cual fue Sold Out en el Teatro Metro de Bogotá. ¿Cómo han visto la respuesta del público en cada visita a nuestro país?

Pues definitivamente sentimos una conexión especial con el pueblo colombiano y creo que hay mucho futuro entre Zoé y Colombia. Vemos que los discos han sido muy bien recibidos y en general nuestra música. Lo que queremos hacer es agradecer a la gente de Colombia por la aceptación, porque viene un buen futuro de Zoé.

Cómo ven la industria musical con todo este tema de las redes sociales y el manejo de la información con sus fans?

Lo tratamos como una realidad, no es un futuro, es un presente. Por ejemplo en twitter nos pasa que a veces no podemos responder cada tweet de los fans porque tenemos más de cien mil personas inscritas, pero sí hay una retroalimentación de todo lo que nos escriben. Algunas personas a veces no están contentas con algo del show y siempre tratamos de estar cerca de ellos mediante esto. Más que nada, nosotros utilizamos estas redes para brindar información importante sobre la banda, ya sea alguna noticia o fechas de nuestros shows como el caso de Colombia cuando confirmamos el concierto y todos respondieron.

Regresan a Colombia en el mes de abril para presentarse en la segunda edición del Festival Estéreo Picnic semanas después del lanzamiento de su Mtv Unplugged. ¿Tienen alguna sorpresa para este show?

Pues mira, vamos a estar presentando nuestro show que normalmente presentamos en los festivales, y a lo mejor alguna canción nueva, o alguna que no hayamos tocado puesto que en un festival las condiciones tampoco te permiten de hacer tanta cosa. Sin embargo, es posible otras sorpresas. Lo importante es la posibilidad de volver a estar pisando un escenario en Colombia y tocando ante la gente de ahí que siempre nos ha recibido muy bien.

La magia de James Murphy

Es un hecho, la tecnología se ha vuelto un elemento indispensable para crear música, sobre todo si escuchamos los discos de esta última década. Desde aquellos grandes sintetizadores de los años 80, y ahora emulados en pequeñas cajas con teclas, hasta las nuevas aplicaciones de instrumentos para teléfonos como el iphone, vemos una clara tendencia hacia estos nuevos recursos aplicados a muchas canciones. Un ejemplo de este avance tecnológico, se plasma en la música de James Murphy, fundador del sello DFA records (Death From Above), y amante de todo tipo de procesadores análogos y digitales. Murphy, de origen Inglés y radicado en la ciudad de New York, es el líder junto con Tim Goldsworthy de LCD Soundsystem, una de las bandas más importantes de la actualidad dentro del género dance-electropunk.

Antes del proceso creativo de su primer álbum publicado en 2005, LCD Soundsystem, ya había sacado un single en el año 2002, llamado “Losing my Edge”, el cual se podía descargar fácilmente por internet. Con este disco homónimo, LCD Soundsystem fue calificada por la crítica como algo fresco y novedoso. Meses después de su lanzamiento, y luego de llegar a los primeros lugares en los listados de música de varios países, la banda de Murphy recibió una doble nominación a los premios Grammy como mejor disco electrónico, y mejor grabación dance por su single, “Daft Punk is Playing at my House”. Dos años más tarde, y tras un disco de remixes editado bajo su sello discográfico DFA, Murphy y Goldsworthy, lanzaron al mercado su segundo disco llamado, Sound of Silver (2007). Aquí se escucha un sonido más contundente; la magia de James Murphy recuerda aquellos teclados hechos por el mítico Brian Eno en los años 80. La balada que cierra el disco, “New York, I Love You But You're Bringing Me Down”, es interpretada bajo un cálido sonido de piano y una batería que viaja por el ritmo ternario al estilo de un buen jazz.

Volvieron a pasar unos años para que Murphy y compañía, volvieran a entrar a estudio y así lanzar un nuevo álbum; el año escogido, 2010, el nombre, “This is Happening”. Un disco que como los dos anteriores, muestra una creatividad enorme y una evolución que acompaña siempre a este dúo en cada producción. Calificado también como uno de los mejores discos del 2010 según la prensa especializada de Estados Unidos y Europa, LCD Soundsystem llega el próximo 25 de febrero a Colombia en el marco de su gira por Sudamérica, y de paso para tocar en el lanzamiento oficial de la segunda edición del exitoso y bien organizado Festival Estéreo-Picnic.

En una entrevista reciente, James Murphy asegura que esta será la última gira de la banda, ya que a sus 40 años quiere descansar y poder levantarse todas las mañanas en su casa, rodeado de su colección de más de 7000 mil discos, y de una sala donde los invitados al desayuno son guitarras, bajos y un piano de cola. Eso es LCD Soundsystem, una mezcla de sonidos, de historias, todo un coctel sonoro para los oídos de un público que disfruta siempre cada nota que logra crear Murphy en sus canciones; definitivamente un concierto para no perderse.

El grunge de los Stone Temple Pilots

(Publicado en la revista EasyFly, diciembre 2010)

Empezando la década de los 90, la escena del rock alternativo veía como el género “grunge” se sumergía dentro de los sonidos clásicos de la guitarra eléctrica. Bandas como Alice in Chains, Pearl Jam y Nirvana, marcaban la tendencia de una generación influenciada por el pop/rock y los fuertes sonidos de la batería provenientes del punk.

A estas reconocidas bandas, se les suma en aquella época Stone Temple Pilots, provenientes de California, y cuya historia empieza cuando el vocalista Scott Weiland conoce a los hermanos Robert y Dean DeLeo y posteriormente al baterista Eric Kretz; la banda que inicialmente se llamaba "Mighty Joe Young" tuvo que cambiar el nombre mientras tocaba en Los Angeles, ya que un músico de jazz ya era conocido con este nombre.

Después de tocar por varios años en bares de California, STP firma con la disquera Atlantic Records debutando así con su primer álbum en 1992 llamado “Core” y producido por Brendan O'Brien. Este disco llegó a los primeros lugares en las listas de EE.UU., logrando vender más de tres millones de copias y posteriormente ganando un Grammy lo que generó un éxito rotundo y una gira por todo el país. Dos años más tarde los STP vuelven al estudio a grabar su segundo disco “Purple” (1994) el cual llegó al número 1 de los listados y que permaneció durante varias semanas dándole un reconocimiento a nivel mundial. Sin embargo, con todos los premios y las millonarias cifras en ventas, empezaban a aparecer los problemas cuando Weiland fue detenido mientras estaban de gira en Pasadena, por posesión de drogas pero liberado a los pocos días ya que fue declarado “no culpable”.

Durante el año de 1996, STP publica un nuevo álbum llamado “Tiny Music... Songs from the Vatican Gift Shop”; este disco no logró el mismo éxito de sus antecesores, debido a un sonido más pop, y a los problemas que su vocalista Scott Weiland seguía teniendo con las drogas, lo que llevó a cancelar varios conciertos de la gira. Pasaron varios años para que Weiland se rehabilitara y con esto la banda entrara de nuevo al estudio. En 1999 el cuarteto californiano grabaría “No. 4” y dos años más tarde su quinto disco “Shangri - La Dee Da”, el cual salió a la venta en el verano de 2001 antes de su separación.

El final de los STP llegó mediante una fuerte pelea entre Scott y su guitarrista Dean DeLeo que terminó a golpes luego de un concierto. Con esto, la banda se retiró de los escenarios y se despide de sus fans con un álbum recopilatorio que edita su disquera Atlantic Records llamado “Thank You”.

Para el año 2008 y después de pertenecer a la banda Velvet Revolver, Scott Weiland anuncia el regreso de Stone Temple Pilots, ya con una mejorada relación con los hermanos DeLeo. Meses después, la agrupación se presentó en el festival Voodoo Experience de New Orleans, y luego en el concierto de año nuevo en Los Angeles a comienzos del 2009. A mediados de 2010 STP da inicio a su gira oficial por EE.UU. y Canadá luego de publicar su más reciente disco homónimo, anunciando también su paso por Sudamérica en países como México, Perú, Argentina Brasil y Chile. La gira que también pasará por nuestro país el próximo 18 de diciembre, trae su formación original dispuesta a llenar de rock el Coliseo el Campín de Bogotá. Definitivamente un concierto recomendado para aquellos que disfrutaron de éxitos como Sex Type Thing, Plush, Interstate Love Song, Sour Girl, y para cientos de fans que vieron lejana la posibilidad de ver a una de las bandas más grandes de los 90 en Colombia.

El icono mainstream alternativo llega por primera vez a Colombia

The Smashing Pumpkins, una de las bandas estadounidenses más importantes de la década de los 90 se presentará el próximo 27 de noviembre en el Coliseo el Campín de Bogotá. Liderados por Billy Corgan, la banda de Chicago pisa por primera vez suelo colombiano reafirmando así el buen momento que pasa nuestro país en el tema de conciertos.

La historia de los Smashing Pumpkins se remonta al año de 1988 en una tienda de discos cuando su vocalista Billy Corgan conoce al guitarrista James Iha mientras trabajaba. Su primer álbum “Gish”, fue lanzado al Mercado en mayo de 1991 compitiendo sin tanto éxito en esa época con el aclamado Nevermind de Nirvana. Ya para el año 1992 el icono mainstream empezó a trabajar en su Segundo disco “Siamese Dream” bajo la estrategia de Virgin Records y la producción de Butch Vig. Mientras la fama y el éxito llegaba, al interior de la banda ya empezaban a notarse problemas entre su vocalista Billy Corgan y los demás integrantes debido a las adicciones que los rodeaban; sin embargo Billy y sus amigos lanzaron “Mellon Collie and the Infinite Sadness” en el año 1995 lo cual los catapultó internacionalmente logrando siete nominaciones a los premios grammy. En el año 2000 y luego de lanzar Adore un disco calificado como un fracaso en ventas debido a su cambio estético y sonoro, Corgan dió a conocer la noticia que The Smashing Pumpkins llegaba a su fin dando un último concierto el 2 de diciembre de ese mismo año en Chicago.

Después de seis años de su separación, los rumores del retorno de Smashing se hacían cada vez más fuertes; finalmente la banda confirmó la noticia en su página web, dando paso a la grabación de su nuevo disco “Zeitgeist”.

La banda de concepto alternativo que ganó adeptos por todo el mundo con éxitos como Ava Adora, Tonight Tonight, Siva entre otras, prepara su gira por Sudamérica que dará inicio el mes de noviembre en el Luna Park de Buenos Aires, pasando por Chile, Brasil, Perú y finalmente aterrizando en la capital colombiana donde miles de seguidores y fanáticos de la buena música ven como se acerca uno de los conciertos más esperados de este año.

La chicha y la fiesta del Nem-Catacoa

El pasado 9 y 10 de octubre se realizó en el municipio de Cajicá la primera edición del festival Nem-Catacoa; el dios muisca de la chicha y la fiesta, fue el anfitrión de este gran espectáculo que recibió a miles de personas con sombrillas, botas de caucho y sobre todo amor por la buena música. Tres escenarios y artistas de diversos géneros como Jamiroquai, Green Day ,Tego Calderón, The Bravery entre otros, fueron los encargados de hacer cantar y bailar a todos los asistentes.

Desde el sábado en la mañana y con pronostico de clima reservado debido a las fuertes lluvias, todos se preparaban para llegar hasta Cajicá en diferentes medios de transporte. Algunos llegaron en carro, otros en bus y unos pocos deportistas se pegaron el viaje en bicicleta. También llegaron fanáticos provenientes de varias ciudades y países vecinos, como un fan de Ecuador que me encontré mientras hacia fila para comer; me contó que su hermano mayor que reside en Colombia, le regaló la boleta y el pasaje en avión desde Quito a Bogotá, ya que su sueño desde niño era ver a Green Day quienes cerraban al día siguiente el festival.

Bien temprano se prendió la fiesta en las canchas de el Club el Polo cuando salió al escenario La Mojarra Eléctrica con su fusión de sonidos tradicionales colombianos. Mientras caía la tarde la gente seguía disfrutando las múltiples actividades que uno podía encontrar en el Nem-Catacoa, las cuales iban desde jugar paintball, rodar en una bola gigante de caucho, tirarse desde una grúa frente a uno de los escenarios, hasta la gran variedad de reconocidos restaurantes donde se encontraban hamburguesas, comida mexicana, pizza y para los más gourmet, sushi.

Después de una gran presentación de Superlitio salió al escenario el representante del reggaetón alternativo Tego Calderón, quien dió clases de buen show y conexión con el público a tal punto de ser calificado como una de las mejores presentaciones de todo el fin de semana. Luego de esto, la gente corrió al escenario principal para ver a Jamiroquai que interpretó las canciones de su nuevo disco “Rock Dust Light Star” y sus clásicos Cosmic Girl, Little L y Deeper Underground, cerrando así el primer día de festival y dando paso a la fiesta electrónica que se prolongó hasta la madrugada.

Para el día siguiente, el público llegó más preparado para el frío y para escuchar el boom actual de la música hecha en Colombia. La lista la encabezó Don Tetto, Diva Gash, Juan Galeano, The Mills y V for Volume los cuales salieron a darlo todo sobre la tarima y no defraudaron. Después de escuchar la carta nacional, se subió al segundo escenario The Bravery, una de las bandas más importantes del indie rock en New York y quienes calentaron la noche con su hit “Honest Mistake” para luego dar paso en el escenario principal a Green Day. Las palabras para calificar este show quedan cortas debido al montaje y la emotividad que hizo sentir su vocalista Billie Joe Armstrong en su primera visita al país.

Sin duda este fue el año de los festivales de música en Colombia; al ya conocido Rock al Parque, se le suman el Festival Estereo-Picnic que se llevó acabo el pasado mes de abril y el reciente Nem-Catacoa; los dos, con gran acogida y buenos comentarios por parte de los asistentes demostrando que estamos en un buen punto de arranque comparado con otros importantes festivales del mundo. Pese a algunos inconvenientes que se presentaron por ser la primera vez que se organizaba, y sobre todo teniendo en cuenta la magnitud del montaje, cabe resaltar el esfuerzo y la gran labor que siguen haciendo los empresarios de conciertos en nuestro país para abrir espacios de cultura y respeto alrededor de la música.

Salud y larga vida al Nem-Catacoa, un festival que llegó para quedarse.